Retour de Provincetown, La 15ème International Encaustic Conference

Mes Petites Vagues à l'encaustique ont traversé l’Atlantique et moi avec ! Après la 14ème International Encaustique Conference Virtuelle de l’année dernière je n’avais qu’une envie : y aller pour de vrai. J’ai donc participé pendant 3 jours, du 3 au 5 juin, à la 15ème International Encaustic Conference à Provincetown à côté de Boston. Une expérience fantastique ! J’ai pu rencontrer l’artiste américaine Joanne Mattera fondatrice de cette Conférence et de cette communauté d’artistes. J’ai pu rencontrer des artistes du monde entier, de nombreux états des Etats-Unis bien sûr mais aussi du Quebec, du Mexique, d'Allemagne, de Hollande, d'Irlande, de Suisse et d'Australie. Je suis à présent le « petit français » de la bande, un grand honneur !
Voici un petit résumé en images de ce merveilleux voyage,

Les rues de Boston

La Newbury Street

La Charles River

Arrivée à Provincetown !

Et le début de la Conférence !

Mes Petites Vagues ont été exposées à l'Hotel Fair et au Postcard Show durant la Conférence

Et la rencontre avec Joanne Mattera, un grand moment ! émotions partagées !

Merci de votre visite,

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Bon début de semaine à tous !

Gesso pour la peinture à l'encaustique

Principaux matériaux pour la fabrication du gesso

Ce blog fête aujourd'hui ses 7 années d'existence, voici mon dernier article en guise de bouquet de muguet traditionnel du 1er mai !

En complément de mon article précédent sur la fabrication d'un support en bois, voilà une recette simple pour fabriquer soi-même son gesso pour l'encaustique. Il ne s’agit pas d’une préparation type « rapide-gesso » mais d’une recette simplifiée. Les préparations dites « gesso » que l’on trouve dans le commerce ne sont pas utilisables pour la peinture à l’encaustique. Avec l’encaustique vous ne pourrez pas utiliser un gesso fait pour l’acrylique. Ici nous parlons d'un gesso véritable (de l'italien gesso, plâtre).

Supports prêts pour le gesso

J’ai voulu me simplifier la vie pour avoir des mesures reproductibles lorsqu’on est dans son atelier avec du matériel simple : une bouteille d’eau de 33 cl (ce sont les 33cl qui sont important pas la bouteille d’eau, après vous buvez ce que vous voulez !), une cuillère à soupe et une barquette d’aluminium de 0,5 l.

Il est important d’avoir des récipients et outils parfaitement propres.
Cette préparation me donne une quantité suffisante de gesso pour couvrir quelques petits formats en bois préparés précédemment.

Bouteille d'eau de 33cl et une barquette en aluminium de 0,5l

Versez deux cuillères à soupe bombées de colle de peau en poudre dans l'eau

Verser le contenu de la bouteille d’eau dans la barquette d’aluminium puis y ajouter 2 cuillères à soupe de colle de peau en poudre légèrement bombées (1 cuillère à soupe = 17 g).

Laisser gonfler pendant 3h (la colle de peau en plaque nécessite un temps beaucoup plus long : 12h ou un nuit pour les très gros dormeurs !). Vous n’avez rien d’autre à faire pour l’instant si ce n'est penser à vos prochaines créations...

Une fois que la poudre de colle s’est gélifiée dans la barquette aluminium, il faut réchauffer la préparation au bain marie. Ne surtout pas faire bouillir la colle qui perd alors toute ses propriétés.

La colle de peau en poudre gonfle dans l'eau pendant 3h

Faire tiédir la colle de peau au bain marie

 

 

Pour cela j’utilise la technique de la double casserole : une première casserole contenant de l’eau permet de chauffer par évaporation la casserole où se trouve votre mélange.

Y ajouter ensuite du Blanc de Meudon de façon à saturer votre mélange et obtenir une consistance de pâte à crêpe plus ou moins épaisse. Incorporer le Blanc de Meudon progressivement en mélangeant. Ajouter également un pigment Blanc de Zinc de façon à obtenir un gesso bien clair. Evaluer la quantité de pigment en fonction de la blancheur que vous désirez obtenir (attention, en séchant le gesso s'opacifie et va s'éclaircir). Pourquoi le Blanc de Zinc ? Parce qu’il est fongicide et empêchera donc votre support d’être colonisé par des bactéries et autres moisissures à long terme (ou si vous entreposez vos créations dans une cave humide par exemple….). 

Une fois la consistance désirée vous pouvez appliquer le gesso sur le support. Appliquez 3 à 4 couches (on peut aller jusqu'à sept couches) en croisant bien les couches avec le pinceau. Attendre qu’une couche soit sèche  pour passer la suivante. Finissez avec un ponçage au papier de verre si vous voulez une surface lisse.

 

 Application du gesso et supports prêts pour l'encaustique

 

L’avantage de cette quantité de préparation vous permet d’utiliser rapidement le gesso. Une fois préparé le gesso se conserve difficilement.

 

Et voilà !

Bon 1er mai à tous,

Merci de votre visite,

L'encaustique à l'école

 J'ai eu le plaisir d'intervenir à l'école au mois de mars pour une classe de CE1, celle de mon fils, afin de présenter la peinture à l'encaustique et permettre aux enfants d'en faire une première approche. Une belle expérience enrichissante pour tous !

Retour en images sur ces quelques moments partagés en classe.

J'avais préparé auparavant quelques fonds colorés à l'atelier :

Une fois en classe les enfants ont pu ensuite écrire, graver, dessiner sur ce support pour avoir une première approche de la cire colorée froide, figée sur du papier.

Puis ensuite nous sommes entré dans le vif du sujet : la cire chaude pigmentée et l'application sur du papier, ça sèche tout de suite !

Ce petit atelier a pu être réalisé dans le cadre d'un exposé sur la peinture par trois élèves de la classe. Il ont également réalisé un poster sur différents artistes majeurs de l'histoire de l'art:

Un grand merci à l'enseignante de m'avoir accueilli dans sa classe et à tous les enfants pour ce bon moment partagé avec eux !

J'en profite également pour revenir sur une intervention que j'avais pu faire dans une classe de CE2-CM1 (celle de ma fille cette fois là !). C'était en décembre 2019. J'avais partagé ce moment sur ma page Facebook.

En voici quelques photos :

Au départ j'avais utilisé la même technique de cire colorée sur papier à gratter/dessiner,

Puis les enfants avaient passé une couche d'encre de chine sur le papier (voir mon article sur Victor Brauner)

Puis une fois l'encre séchée les enfants pouvaient gratter la surface pour faire apparaitre leur dessin !

Et voilà le résultat !

Lors de cet exposé nous avions parlé d'artistes peignant à l'encaustique comme Jasper Johns, Victor Brauner, Philippe Cognée ou encore Alexandre Masino, Lisa Pressman ou Joanne Mattera (voir les liens dans la colonne de droite de ce blog).

De très bons moments vécus avec les enfants et qui sait, des petites graines de futurs artistes à l'encaustique ont elles été plantées ces jours là ? 

Merci de votre passage sur mon blog,

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Bon printemps à tous,

Le Bel Art de Mahjoub Ben Bella au MUba de Tourcoing

Quoi de mieux pour débuter cette année 2022 qu'une exposition vivante et colorée.

C'est ce que présente en ce moment le MUba de Tourcoing en hommage au peintre franco-algérien Mahjoub Ben Bella disparu en 2020. 

La peinture de cet artiste installé à Tourcoing dans les années 70 reflète des influences, un mode d'expression commun avec les expressionnistes abstraits américains et le dripping de Jackson Pollock. Une référence que l'artiste revendique et cela m'a frappé lorsque je suis entré dans la salle d'exposition du musée.  

Chorégraphie, quadriptyque, 2011 (photo de l'auteur)

Jackson Pollock, One:Number 31, MoMa (photo de l'auteur)

Le geste de la calligraphie arabe que pratique Ben Bella au début de sa carrière se transforme en mouvement, un espace commun à la musique aux arts plastiques et à la danse. De l'écriture à la musique du geste. Tout est là dans l'oeuvre colorée, riche, vivante de l'artiste qui resta toute sa vie attaché à la région du Nord. 

Il a travaillé en collaboration avec des musiciens et des chorégraphes, inspiré par le Jazz de Miles Davis ou la musique de John Cage (voir les liens entre John Cage, le chorégraphe Merce Cunningham et Robert Rauschenberg dans mon article sur Jasper Johns )

Voici quelques oeuvres qui m'ont marqué lors de ma visite au MUba (toutes photos de l'auteur)

Tension bleue, 1991

Océaniques II, 1996 

L'Oiseau de feu, hommage à Igor Stravinsky, 2011 

Vue sur la grande salle

L'oeuvre Signatures, 1993, réalisée en direct pour le Ballet du Nord

Tensions, 1973

Epure jaune, 2005

Mahjoub Ben Bella site également dans ses influences l'artiste américain Mark Tobey (1890-1976), dont on retrouve quelques oeuvres dans une autre partie de l'exposition. Tout comme Ben Bella l'art de Tobey s'est construit avec l'étude de la calligraphie (chinoise et arabe).

On trouve aussi dans une autre salle du MUba une autre artiste ayant étudié la calligraphie chinoise durant 10 ans auprès de grand maîtres et ceci de façon rigoureuse et ascétique. Dans son oeuvre la peinture et le corps en mouvement ne font qu'un.  Il s'agit de l'artiste française Fabienne Verdier (1962). Il faut lire son livre Passagère du Silence (2003, Albin Michel) pour se rendre compte de l'engagement de l'artiste pour son art. Un engagement total du corps de l'artiste avec la peinture et avec son oeuvre, que pratiquait Ben Bella, et que l'on retrouve également chez Joan Mitchell

Deux oeuvres de Fabienne Verdier de 2018 (Remonter le Fleuve et Synchronie) sont présentées au MUba

Remonter le fleuve et Synchronie

détail

L'exposition consacrée à Mahjoub Ben Bella est visible au MUba jusqu'au 21 février 2022.

Belle année 2022 à tous,

Jawlensky, Susanne Hay et Maija Isola à La Piscine

 

A l’occasion de ses vingt ans le Musée d’Art et d’Industrie André Diligent de Roubaix dit « Musée de La Piscine », car réalisé dans une ancienne piscine Art Déco de la ville (voir mon précédent article sur Di Rosa), propose une exposition consacrée au peintre expressionniste russe Alexej Von Jawlensky (1864-1941).

Tête abstraite : Karma, 1933 (toutes photos de l'auteur)

Cette exposition met en avant son travail sur le portrait, des premières années pour évoluer ensuite vers une simplification des traits du visage à l’extrême marquant une volonté de l’artiste de donner une valeur spirituelle à son œuvre pour se placer dans la tradition des icônes byzantines. L’artiste russe se trouve en filiation directe avec les portraits du Fayoum qui sont les prémices de la peinture d’icône. Cet art pictural sacré débute dès le 6^ème siècle pour se prolonger jusqu’à nos jours avec une crise iconoclaste au 7^ème-8^ème siècles où une grande partie des icônes, dont celles à l’encaustique, ont été détruites (voir également mon article Peindre et être libre).

Les premiers portraits :

Autoportrait, 1912

Tête en noir et vert, 1913

Danseuse espagnole, 1909

Puis évolution vers la simplification des traits et la peinture d'icônes:

Tête mystique: tête de jeune fille, 1918

Tête mystique: Hélène, 1917

Tête abstraite : Lumière, 1926

Jawlensky utilise l’huile et la cire pour une de ses têtes abstraites :

Tête abstraite : Douleur, huile et cire sur carton, 1928

Puis enfin la série Méditation:

Méditation, 1936

Méditation, 1936

L’exposition s’attache également à faire les liens de Jawlensky avec la peinture de Van Gogh ou de Gauguin, visible dans les natures mortes ou les paysages de l’artiste, et son parcours au sein des expressionnistes allemands marqué par ses amitiés avec Emil Nolde et bien sûr Kandinsky. Il s’opposera à ce dernier au moment de la formation du célèbre groupe Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) en marquant sa différence par rapport à l’abstraction prônée par Kandinsky pour suivre sa propre voie. 

Kandinsky : Schwabing, Soleil d'hiver, 1901

Jawlensky : Pins, vers 1911

Son influence sur l’art moderne dépassera les frontières européennes pour traverser l’Atlantique et attirer les artistes américains notamment par sa technique de travail en série avec ses Méditations. John Cage achètera plus tard une œuvre de Jawlensky. 

J’ai toujours aimé le travail des expressionnistes allemands, leur traitement de la couleur ou la pratique de la gravure sur bois avec des artistes telle que Käthe Kollwitz.
Ici quelques gravures sur bois que j'ai réalisé en 2007:

D'après un autoportrait de Käthe Kollwitz

D'après le portrait du danseur Alexander Sacharoff (Jawlensky, 1909)

Inspiré par le Cavalier Bleu de Franz Marc (gravure par plaque perdue)

Puis dans les autres salles du musée d’autres artistes plus contemporains sont exposés dont l’artiste allemande Susanne Hay (1962-2004). Elle fût l'élève de Léonardo Cremonini aux Beaux Arts de Paris. J’ai retenu ses œuvres colorées grand format représentant des corps d’hommes au bord d’une piscine. De telles œuvres aurait pu trouver leur place autour du bassin du musée de La Piscine (photos de l'auteur).

La représentation du corps humain est au cœur du travail de nombreux artistes dans la peinture française et européenne. La peinture nord-américaine étant principalement orientée vers un art non-représentatif que nous nommons « abstrait ». 
Ce travail du corps, son étude avant sa représentation, est un point commun avec une pratique médicale qui se base comme l’artiste-peintre sur l’étude de l’anatomie humaine. 
Je pourrai presque dire que l'étude du corps humain par Susanne Hay est une approche médicale. Il faut voir le reste de l'exposition pour s'en rendre compte.

Devant ses oeuvres j'ai eu soudain un peu honte de m'être déplacé pour voir des "huiles sur cartons" d'un peintre certes très connu mais mort depuis longtemps (les musées ne sont-ils pas parfois des cimetières d'artistes ?) alors que Susanne Hay, décédée accidentellement en 2004, mérite véritablement une exposition de plus grande envergure de son oeuvre. 

Ses peintures m'ont interpellé, voire dérangé, pour finalement me laisser un souvenir beaucoup plus présent que les peintures de Jawlensky.
Il est d'ailleurs troublant de voir une photo de l'artiste prise vraisemblablement dans la piscine où elle peignait ses modèles. Après ma visite je n'ai pu m'empêcher de consulter sa page Wikipédia : elle est morte noyée en voulant sauver deux enfants dans un lac au Portugal. Elle avait 42 ans. 

Suzanne Hay

Alors allez voir les peintures de Susanne Hay à La Piscine !

Enfin à l’étage du musée, autour du bassin, il y a une importante tissuthèque. On peut voir les célèbres coqueliquots de Maija Isola (1927-2001), artiste emblématique de la marque finlandaise Marimekko, avec son motif coloré très sixties « Unnikko ».

Merci de votre visite sur mon blog,

Bonne fin d'année 2021 à tous,

Vincent.